Интервју: Уметница Јане Лее
Сингапурска уметница Јане Лее позната је по свом иновативном раду на сликама. Она непрекидно окреће традиционални медиј на својој глави, истражујући нове могућности у представљању слика као уметничких дела неограничених ограничењима платна.
За своју недавно завршену резиденцију у Сингапур Тилер Принт Институте (СТПИ), Јане се одморила од сликања у корист експериментирања са другим медијима и створила ново тело које ће изненадити и одушевити публику упознату са њеним претходним радовима.
Арт Републик седи са Јане да сазна више о њеној љубави према сликарству, еволуцији њеног рада током година и њеној емисији "Слободно слободно" на СТПИ, која ће се одржати током Сингапурске недеље уметности раније ове године.
Статус, 2009
Како се ваш рад развијао током година? Шта мења ваш рад из дела у комад?
Нисам имао појма да ћу постати уметник са пуним радним временом; Желела сам да постанем модна дизајнерка. Тако да сам започела са сликањем. Идеја сликања је да се ради о дводимензионалном објекту на зиду, али постепено сам своју слику доживљавао као инсталације. За мене је зид на који је слика монтирана део дела, јер шта год да се налази око слике, интеракција са њим.
Због чега је сликање тако убедљив медиј за рад?
Волим боју и свиђа ми се осећај играња са бојом. Чак ми се свиђа и мирис боје. Пре неких 10 година, када сам се озбиљно позабавио сликањем, почео сам да постављам питање шта је суштина сликања. Питао сам се да ли постоје други начини прављења слика и осврнуо сам се на традиционални поступак и технике који су настали у прављењу слике. Тако сам почео да се играм са медијумом.
Цагед Бирдс, 2015
Можете ли нас провести кроз процес стварања уметничког дела, од концепта до извођења?
Веома сам практична особа. Када сам први пут почео да сликам традиционални начин, много сам планирао и сео сам и створио композиције за своје радове. Све се то променило 1999. године, када сам отишао у Лондон како бих сазнао више о савременој уметности. Похађао сам радионицу на којој је предавач бацио боје на папир по поду и предавао разреду да се само игра. То је за мене било средство за отварање очију. И то је постало оно што сам желео да учиним. Схватио сам да, кад бих све планирао, заиста не би било живота у раду. Почео сам више да идем са својим инстинктима и да се играм.
Како знате када је уметничко дело завршено?
Претпостављам да уметничко дело заиста никада не може бити довршено. Ако неко дело говори са мном, то је учињено. То је више емоционално него интелектуално. Пуно разговарам са мојом сликом. То је интерактивни процес. Слике су на неки начин живе иако не разговарају. Имају одређене склоности. Између уметника и дела се одвијају преговори у процесу стварања уметности.
Слободно ВИ, 2015
Како размишљате о избору алата који користите за израду својих уметничких дела?
Традиционално се слике рабе четкама и чешће би причале причу. Проналазим алате из свог свакодневног живота, као што су кухињски прибор, за прављење моје уметности.
Можете ли нас провести кроз процес израде уметничких дела?
Па, ујутро, кад дођем у свој студио, можда се осећам прилично срећно и желим да користим јарко црвену боју, али како дан напредује, а можда и слушам песме, тада се моје расположење може променити, а онда и моје сликање може испасти мало мрачно. Не волим да присиљавам да се било шта деси. На неки начин развој дела зависи од тога како се осећам у одређеном дану.
Колико вам треба да довршите уметничко дело?
За велике радове може бити потребно шест месеци до годину дана. Понекад радим на комаду, а затим на пола пута, нема протока енергије, па бих то за сада оставио по страни и вратио се касније.
Савијање ВИ, 2015
Да ли одбацујете било која дела?
Многи.
Како одлучујете шта ћете задржати?
Само знате.
Да ли је поступак израде ваших уметничких дела важнији од изгледа коначног производа?
Рекао бих да ако нема 100%, процес броји 80%, а коначни производ 20%.
Да ли желите да људи буду знатижељни о процесу?
Наравно. Било би сјајно гледати изван површине и боја. Желим да их натерам да постављају више питања о сликарству као медијуму и о процесу израде слике.
100 лица, 2014
Можете ли разговарати о својој свакодневној рутини као уметник?
Дан започињем јогом и медитацијом. То је важно да ме више ускладим са собом. Онда одем у свој студио и почнем да радим. Начин на који радим зависи од рокова које имам. Ако сам у журби и морам интензивно радити, рецимо за соло наступ, тада бих одбио да се након тога вратим у студио доста дуго. То је речено, мој ум увек размишља, гледам око себе, тражим инспирацију из свог свакодневног живота, било да је то од јутарње шетње или у разговору с неким.
Да ли тражите инспирацију да одете у музеј или посетите изложбе других уметника?
У ствари, избегавам да видим превише дела других уметника. Ако видите превише, понекад ће неке ствари које волим подсвесно упасти у мој посао. Свакодневни живот је мој извор инспирације, било од јутарње шетње, било у разговору с неким. Ствари које видим око себе, што људи кажу - то су мале ствари које су ми извори инспирације.
Да ли сте имали умјетника на које сте гледали када сте први пут започели?
То би био Роберт Риман. Оно што је фасцинантно у њему је да он није сликар по обуци. Мислим да, будући да нема терет да зна шта сликар треба да уради, он је у стању да смисли своја освежавајућа уметничка дела.
Буђење, 2015
Али мислите ли да је важно прво научити основе?
Мислим да темељно знање може добро да помогне сликару у пружању техничког знања, као што је мешање боја. Међутим, једном када се ове вештине науче, вероватно ће се тек када их испадне створити нешто ново.
Шта је прво: наслови ваших слика или самих слика? Како наслови, попут „Статус“ (2009) који се налази у сталној колекцији музеја уметности Сингапура или „100 лица“, 2014, приказани на вашој самосталној изложби у галерији Сундарам Тагоре, Сингапур, раде заједно са вашим сликама на комуницирати са публиком?
Са 'Статусом', испитивао сам статус слике. Један од кустоса за Сингапурски бијенале 2008. рекао ми је да ћу бити једини сликар који излаже. Тај разговор је остао самном. Изненадило ме је што је на уметничкој сцени било тако мало сликара када је вероватно већина уметника почела да се обучава за сликаре. Тада сам помислио да је можда слика као медија мртва и да више нема простора за игру. Уметничко дело је истраживање стања слике на регионалној сцени савремене уметности.
Са „100 лица“ сећам се да сам помислио да су људи желели да приказују велике слике које су биле врло тешке. Одлучио сам да разделим свој рад на 100 мањих и мање тешких комада који би се могли саставити у велику слику. Поред тога, то је био и коментар на то како слика може имати многа лица или да може постојати више начина стварања слике, а даље и то што људи имају различите ликове који настају у друштву различитих људи.
Да ли ове приче о стварању ових уметничких дела делите са широком публиком?
Обично не бих делио, мада ако би људи питали, било би ми драго. Не желим се превише наметати гледаоцу и диктирати ономе што виде у уметничким делима.
Само тренутак, 2015
Хајде да разговарамо о вашим новим радовима на СТПИ, који нису усредсређени на слике. То је нови смер за вас. Да ли је ово свесна одлука?
Хтео сам неко време да се сликам, али нисам нашао оправдање да то учиним. Мислио сам да би ово била добра прилика да се истражи све осим сликања и да се добро искористе објекти на СТПИ. Био је то добар тренутак да сам позван у то време.
Зашто наслов „Слободно, слободно“?
Желео сам позитиван наслов за емисију. Мој приступ стварању моје уметности је срећан. Бити у клопци и бити слободан две су теме изложбе. На пример, са серијом 'Цоилинг', процес намотавања папира може дати осећај да је заробљен. Игле у завојницама дају јачи визуелни израз да су заробљене. На неким радовима на пиновима седе птице које би се могле схватити као симболи слободе.
Поред папира, у емисији сте радили и са акрилом. Како је то било?
Тим на СТПИ је веома отворен за идеје. Одлучио сам се слободно експериментирати и укључио сам видео и анимацију, као и комбиновани папир са другим медијумима, као што су папир са звуком и папир са акрилом.
Како је тим на СТПИ-у покренуо вашу уметничку праксу?
Већину своје каријере радио сам сам у студију. Често, када имам ове мале луде идеје, ако сам то сама, било би тешко и можда ће трајати дуже време, а ја нећу радити на њима. Рад овде на СТПИ извукао ме из зоне комфора. Способни тим људи овде ми је помогао да размишљам и видим могућности, а моје идеје су могле да се реализују у врло кратком року.
Мислите ли да ћете након ове емисије другачије приступити својој пракси?
Ја сам сликар у срцу, и још увек се морам играти са бојом. Што се тиче врсте слике и да ли ће бити слична оној што радим, нисам сигуран. Оно што сам овде открио на СТПИ сигурно би имало неког утицаја, али стварно не могу у овом тренутку да одговорим шта бих радио. Свиђа ми се идеја да не знам. Да већ знам, не бих то урадио. Желим да узбудим и одушевим гледаоца, али да бих то учинио, то морам прво да урадим за себе.
Стори Цредитс
Текст написао Надиа Ванг
Овај чланак је првобитно објављен у часопису Арт Републик.
Слике љубазношћу СТПИ
