Интервју: Уји 'Хахан' Хандоко

Рођен 1983. године у Кебумену, Уји 'Хахан' Хандоко започео је факултет ликовних уметности на Индонезијском институту за уметност у Џакјакарти. У садржајној 2008. години, проглашен је финалистом у 30-им годинама за награду суверене уметности и преузео је улогу уметника Националног уметничког студија у резиденцијалном програму у Сеулу, Кореја. Неке од његових плоднијих емисија укључују: АртЈог14, Јогјакарта (2014); Седмо Азијско-пацифичко триеннале савремене уметности (2012); Национална галерија Индонезије, Џакарта (2011); Галерија Примо Марелла, Милано (2011); Корејски међународни сајам уметности, Сеул (2010); Форум Кедаи Кебун, Џогџакарта (2010); Биеннале Јогја Кс, Јогиакарта (2009) и Хавана Биеннале, Куба (2009).

Увек описан без даха придјева: смели, дрски, безобразни, бунтовни, панкерски ... Мултидисциплинарног уметника одликује шарена радознала енергија - увек пропитујући, увек померајући границе онога што је могуће. Један од главних аспеката његовог рада карактерише дуалитет између перцепција „високе уметности“ и „ниске уметности“. Закопавајући реализам са слојевима на слојевима драматичне украсе, његов рад представља прекид између урбанизације и аграрнизма, истока и запада, локалног и глобалног. Хахан свој филм, музички улични поп утиче на идиосинкратски визуелни језик који се састаје као неуредна свађа на платну - храбре боје које има добро познату особу да се прелије по његовим обрисима. „Бојање изван линије“ додаје кретању и спонтаности која је карактеристична за његов излаз.

Тринити Сериес, 2015

Прави поп уметник, он непрестано настоји да измисли начине како да реализује своје идеје - од доласка у облику певања у авангардном арт-пунк извођачком колективном бенду Пункасила; његово одбацивање платна, експериментирање на неконвенционалним медијима и супстратима; ткање сложених саморефлексирних мета друштвено-политичких питања у „слабе обрве“, а опет замршене композите; сурадња на линији одјеће с аустралијским натписом сурф-трава Хурлеи Интернатионал, до његове одлучности да умјетност учини што бољом доступном својој заједници - чини се да Хахан самостално води претрес. Арт Републик сустиже уметника побуњеника да види шта има.

Ваш рад окупља разне ваше утицаје - филм, музику и уличну културу у посебан визуелни језик. Да ли су нарације и приче нешто о чему размишљате у својој пракси?

Сваки од утицаја које сте споменули има различит језик приказивања идеја. Ако комбинујем само визуелни облик и како се користи, он се можда неће разликовати један од другог. Више од тога, желим да се ископам испод површине, укључујући културну и друштвену позадину, а затим је комбинујем са сопственим гледиштем како бих то учинио својим личним визуелним језиком.

Људи су ваш рад окарактерисали као непрестану препирку између „високе“ и „ниске“ уметности, питања поларитета између Истока и Запада, локалног и глобалног - шта вас двојство занима?

Део сам генерације која је у почетку имала врло ограничене изворе информација, али сада помоћу интернета и глобализације имамо више приступа информацијама од запада до истока - граница између високе и ниске уметности постала је замагљен и хибридан. Тренутно сам у овој позицији и покушавам да кроз своја уметничка дела одразим шта се данас догађа. 

Један за све, све за једно… .Продани (детаљан приказ), 2014.

Колико је одрастање у Индонезији утицало на ваш приступ перспективи и уметности уопште?

Верујем да свако место или земља има своје карактеристике које ће свесно или не обликовати особине неког уметника. Многи фактори у Индонезији, на пример непримјерен физички развој и расподјела дохотка, трење локалне традиције и глобалне културе у ери откривања, а нарочито развој умјетничке инфраструктуре, дају велики утјецај у формирању моје тачке гледишта и мог опћег размишљања . Посебно у вези са инфраструктуром визуелне уметности, иако не постоје фазе или нивои успостављања уметника, а такође није довољна подршка владе, индонезијски уметници постају мотивисанији да више размишљају и више експериментишу. 

Већ сте поменули да је резиденција вашег уметника у Сеулу најважнија тачка у вашем животу која вам је донела уверење да сте савремени уметник. Како је било током вашег боравка тамо, како је град утицао на вас и како се разликује од Индонезије?

У то време Индонезија, посебно Јогја ... прилика као уметника да ради у уметничким резиденцијама у иностранству била је велики и луксузан посао. То је зато што су препорука и веза били толико ретки да се тешко и тешко надметати, чак и против веома етаблираних уметника. За мене је то постало моје полазиште које ме је убедило и мотивисало да наставим каријеру као уметника.

Поред уметника и њихових дела, Сеоул ме је импресионирао и успостављањем инфраструктуре за визуелну уметност која је добила активну подршку владе и приватног сектора. Заиста ми је отворио очи као уметник. Моја дјела и уметничке праксе у то време су далеко иза онога што сам тамо доживео и видео, а осећао сам се још више након сусрета са директором Лееума, Самсунг музејем уметности.

Срео сам га с вршњаком који је био код мене у резиденцији. Прво је питао мог пријатеља, који је био из Индије, одакле је и он је одмах споменуо „Анисх Капоор“ као познато име. Затим се обратио мени и поставио исто питање, али се брзо извинио што не познајем ниједног познатог индонезијског уметника. То је запело за мене и велики је део зашто се трудим да експериментишем и да се истакнем. 

Пејзаж универзалних проблема, 2016

Реците нам нешто више о свом раду у оквиру индонезијског уметничког колектива пунк роцк одора Пункасила. То није једини бенд у којем сте, зар не?

Пункасилу је иницирао Даниус Кесминас (уметник из Мелбоурнеа) у свом резиденцијалном програму са Асиа Линком преко Цемети Арт Фоундатион 2005. Тада сам мислио да је то само привремени пројекат, јер је прво циљ био само позив и сарадња са неколико визуелних уметника (укључујући мене) као део рок бенда, што је резултирало албумом „Ацроним Варс“. Али тада је наставио са уметничким колективом, који је почео да позива ван подручја визуелне уметности. Сада се ради већ 10 година.

Моји други музички пројекти који су рађени заједно са разним пријатељима су „Блацк Риббон“ настали 2004. истражујући буку са аналогним магнетофоном и ДИИ синтх; „Хенгки Стравберри“ настао је 2007. године хватајући следећи талас електронске музике и индонезијске раве културе; 'Тхе Спецтакулер' је настао 2010. године, а то је била сарадња 'Црне врпце' и 'Деми Тухан' са Вотом 'Вок' Вибово; „Анусапатис“ настао је 2011. године комбинујући електронску музику и брзи гриндцоре стил; и „Н.Е.В.С“ формирани су 2013. године, што је вокална група која је одговорила на кустоски текст или било шта што се текст прошири на уметничкој сцени. 

Собер Генератион, 2013

Какав је радни режим за вас? Да ли је увек другачије, зависно од природе и природе медија?

Заправо је мој начин рада увек исти. Не постоје разлике између медија. Обично почиње идејом или појмом, затим концептом, а у коначној фази избором медијума. Свака врста медија има своју политичку вредност и мислим да ће прави избор медија најбоље појачати концепте и идеје. Разлике у начину рада могу се појавити, али не због различитог медија, уместо због различитог учешћа других, радећи као индивидуални уметник или колектив. А кад радим као део колектива, додају се кораци попут групне дискусије и дељења процеса доношења одлука. 

Да ли је хумор важан део вашег рада?

Живјети у Индонезији под владом која не влада реципроцитетом и покреће нестабилни друштвени систем, наравно да хумор постаје важан, посебно за мене да бих могао да сагледам проблеме у друштву и комуницирам своје идеје са својом публиком. 

Познато вам је да радите свој посао у јавним просторима и да ваш рад може приступити било ко. Да ли је то важно за вас, омогућавајући људима осећај узбуђења, страхопоштовања и чуда са уметношћу, без искуства или информација које су од њих потребне?

То заправо и није важно. Верујем да свако са било којом позадином има свој начин уживања у уметничком делу, са искуством или без претходно потребних информација. Ово је узбуђење јавних простора за мене, где ће се појавити богате и непредвидиве перспективе. За мене је такође важно да уметност треба да створи нове преговарачке просторе за јавност. 

Луцки Цоунтри Сериес # 2, 2013

Тренутно сте амбасадор бренда за сурфер и уличну одећу Хурлеи Интернатионал. Да ли је та сарадња са Хурлеием нешто што сте одувек желели да урадите?

Заправо, имам и своју линију одјеће и робе коју сам започео током своје друге године у умјетничкој школи. То је део моје стратегије да уметност учиним једноставнијом и доступном већем броју људи. Од тада сарађујем.

Са Хурлеиом они имају јаке резултате у подршци сцени визуелне уметности и нема мојих интервенција у мом креативном процесу. Више од тога, Хурлеи не користи само моје уметничке радове на њиховим производима, већ и подржава моја друга уметничка настојања појединачно и колективно као код Аце Хоусе-а.

Важна ствар у данашњем свету уметности, посебно у Индонезији, је истраживање нових могућности изван постојећег начина визуелне уметности и проналажење нових начина за ширење ваше поруке. 

Шта за вас значи лепота? Обично сте склони „боји изван линија“, намерно чинећи посао неуредним или изгледајући непотпуно. Да ли вас хаос нешто привлачи?

Увек уживам у облику намерне грешке. То је попут приказивања ограничења нас као људских бића. Љепота за мене није у савршеном резултату, више у процесу постизања тог савршенства. 

Флоат оф лине, 2016

Шта тренутно размишљате о уметничком изражавању, цензури и општем стању политичке коректности у свету?

Цензура уопће не би требала постојати, штовише треба потјецати и од других људи. Постоји само разматрање које долази од нас самих, чак и ако га други утиче. Али одлуку смо донели ми и то је уметнички израз.

Ова прича је први пут објављена у Арт Републику.